Autobiografia

L'UltraUMANO

di Andrea Domenico Taricco

Nel cuore della mia esistenza è giunto il momento di concentrarsi su se stessi e indagare sui fattori che hanno generato i fatti e gli accadimenti del mio percorso. Dico questo perché sono sempre stato restìo sul fatto di scrivere un'autobiografia: amo infatti narrare di storie attraverso romanzi o racconti così come approfondire il gusto e l'estetica del tempo attraverso saggi di Storia dell'Arte; così come analizzare le condizioni storiche in cui i Paesi di questa epoca devono ritrovarsi a fare i conti: sempre al di fuori di me. Andare a scovare la cause e ripensare ai bivi, alle scelte difficili all'infanzia e all'intreccio di tutti quei fattori che mi hanno formato è un'impresa assai complessa. Il cancro è stato il motore che ha trasformato le mie certezze in vecchi ricordi: giunto nella mia vita all'età di quarantaquattro anni ha trasformato tutto stabilendo un prima e un dopo, un tempo senza ritorno. Se nella prima vita ero inconsapevole, disinteressato, giovane e spensierato dopo l'anno 0, ovvero nell'inverno del 2020 poco prima della Pandemia fui operato per giungere alla mia seconda vita. Qui sono cambiato. La consapevolezza, l'interesse per le piccole cose ed il tempo; la tristezza e la presenza in me stesso; dal giorno che non ho vissuto, ovvero quel 17 febbraio 2020 ad oggi sono trascorsi circa tre anni ed in questo tempo ho considerato di trascrivere per sommi capi la storia della mia vita, della mia prima vita almeno, giusto per non dimenticare. 

E giungo così al concetto di ultraumanità secondo cui descrivo un potere posseduto da sempre come se fosse una dote naturale: ovvero la capacità di creare intorno a me un campo energetico potente capace di interagire nello spazio circostante. Sin da piccolo infatti avevo quel non so che per spegnere con la forza del pensiero le luci così come gli schermi televisivi; se arrabbiato riuscivo a far andare in tilt il contatore dell'elettricità; poi andando avanti nel tempo affinai questo dono: ricordo come nelle liti fossi capace di far scattare gli allarmi di tutte le automobili che erano parcheggiate intorno a me o di quando facevo saltare la connessione ai computer. Questo dono, questa capacità innata l'ho posseduta sin dalla nascita e mi ha accompagnato per tutta la mia prima vita; quando i mal di testa iniziarono a divenire frequenti e la salute iniziò a vacillare fui costretto a cure cliniche da cui venni a sapere di un tumore al cervello. Dopo l'operazione feci un percorso riabilitativo grazie al quale oggi sono qui sano a raccontarne la situazione e dal quale persi questo dono. In altre parole dall'operazione ho perso questa facoltà energetica che mi metteva in relazione al campo magnetico circostante normalizzando il mio equilibrio con le cose. Questi fattori mi hanno spinto sulla direzione del testo autobiografico che descrive l'ultraumanità da non confondere con il superomismo o con il transumanesimo. L'ultrauomo è rimasto come un pezzo di carne sul lettino dell'ospedale mentre io sono qui semplicemente umano. 

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Il GENIO surrealista

La complessità eterogena del maestro catalano

La mostra di Mirò presso il Palazzo Salmatoris di Cherasco si concluderà il 22 gennaio 2023. L'iniziativa del comune di Cherasco GENIUS LOCI desidera contrapporre alla fase pandemica appena trascorsa ed a quella bellica tuttora in atto una mostra significativa su un genio dell'arte del novecento. I colori dell'artista catalano hanno proprio lo scopo di stimolare nello spettatore un senso di rinascita, di stimolo alla vita, alla comunicazione; sembra che i fattori storici stiano influenzando negativamente il genere umano e che l'arte si distacchi da questi aspetti tentando la via terapeutica della positività. Sappiamo che Mirò è stato studiato ed apprezzato dai musei e dalle gallerie di tutto il mondo proprio per la singolarità dei suoi lavori, per la semplicità e l'immediatezza di ricezione universale. Una complessità polimorfica se pensiamo che il suo stile abbia attraversato diversi linguaggi del novecento come l'astrattismo, il surrealismo e la sperimentazione tout court soprattutto in un momento come questo in cui la guerra in atto sta destabilizzando le certezze finora raggiunte: in fondo anche lui visse i tempi difficili tra le due guerre in cui i linguaggi dell'arte stavano cambiando spingendo l'idealità formale a perdere coscienza di sé e sprofondare nel senso totale della concettualità post-moderna. Mirò ha aperto la via agli artisti del secondo dopoguerra introducendo al linguaggio contemporaneo: una poliedricità ed una versatilità che lo pongono a caposcuola dell'originalità e della ricercatezza. Oltre un'ottantina di pezzi che tra tematiche varie affrontate dal maestro catalano lo mettono a confronto con i linguaggi di altri maestri del calibro di Mathieu, Hartung, De Chirico e Capogrossi. Connotati questi che ne determinano un principio di complessità eterogenea.

Una retrospettiva significativa che mette a confronto stili e tecniche complesse

"GENIUS LOCI"

Parlare di Mirò è complesso per la poliedricità della sua arte. Nacque a Barcellona e frequentò l'Accademia spaziando così dal fauvismo al circolo di pittori che vivevano a Parigi presso Montparnasse dove conobbe Picasso e il dadaista Tzara. Furono gli anni delle grandi sperimentazioni tra acqueforti, litografie e sculture per poi aderire alla poetica surrealista di Breton. Nel dopoguerra arrivò la fama e giunse a Venezia dove intraprese la sperimentazione delle ceramiche sino a creare poi negli anni '70 da Fundacio Joan mirò di Barcellona; partecipò artisticamente anche alla creazione di scenografie teatrali sino a ricevere la Medalla d'Or de la Generalitat de Catalunya. Morì a novant'anni a Maiorca e fu seppellito a Barcellona. In lui coabitavano stili e culture lontane come le pitture rupestri primitive sino ai simboli del cattolicesimo catalano od alle opere tribali africane; era attratto dai maestri nordici come Bosch così come dall'espressionismo di Edvard Munch. Ma fu Picasso un punto di riferimento essenziale che influenzò direttamente e indirettamente il suo stile mediante la ricerca di totale originalità e sperimentazione. Eppure l'avanguardia surrealista lo assorbì quasi integralmente per la relazione alla dimensione onirica dei sogni, per l'impatto della scrittura automatica e lo studio psicologico dell'inconscio. Fattori che aprivano le porte al completo sviluppo della fantasia in cui l'artista aveva modo di divenire decano di una nuova forma di linguaggio universale mediante il quale si potevano mettere in contatto mondi e dimensioni remote altrimenti inconciliabili tra loro. 

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La Vetrina

Nicola Moréa

La VETRINA in questo numero espone l'ultimo maestro della seconda maniera del Mutazionismo: Nicola Moréa. Dopo i pittori dell'Ibridismo la seconda maniera determina l'OlogramGeneration in cui Clara Marchitelli Rosa Clot così come Fabio d'Agostino hanno espresso questa visione creativa atta ad un concetto di nullificazione. L'opera in particolare di Morea fa parte del ciclo FLOW Art in cui la Fluid art diviene espressione globale di un modo di sentire in generale. Ho avuto l'onore di esporre l'artista pugliese in diversi contesti attraverso un iter di stili e tecniche come gli American Graffiti, Enigmi, Tracce, le Porte del Tempo, l'Iperpop ed una serie di Computer Art in continuo divenire. Morea è uno sperimentatore che utilizza la propria visione post-concettuale per filtrare una realtà complessa ed eterogenea: l'eclettismo al limite di uno sperimentalismo tout court gli danno la grinta di sprofondare nella filosofia pura dell'arte là dove nessuno osa aprendo così nuovi varchi stilistici e creativi. Gli artisti del MUTAZIONISMO globale menzionati nel corso di queste vetrine descrittive vengono inseriti nel racconto fanta-artistico che avverrà durante il prossimo passaggio dell'asteroide 99942 Apophis: secondo questo presupposto narrativo verrebbe costruito lo spazio RC3 meglio progettato dal sottoscritto come Seraféo. Siamo lieti di esporre su RC3 i suoi lavori:https://rc3.jimdosite.com

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TOTO'

Antonio de Curtis nasce nel rione Sanità di Napoli dalla relazione clandestina di Anna Clemente e Giuseppe De Curtis. Ragion per cui crebbe in condizioni disagiate sino poi alla frequentazione di teatrini rionali di varietà e le precoci esibizioni sui palcoscenici locali: dopo essersi arruolato come volontario nella Prima Guerra mondiale fu alla stazione di Alessandria che gli fu ordinato dai superiori di armarsi di un coltello e difendersi da un reparto di soldati marocchini con cui avrebbe dovuto condividere una tratta. Colto da un attacco epilettico cambiò destinazione sino alla fine della guerra. Da qui entrò nel variété sino ai primi spettacoli nel mondo dell'Avanspettacolo e della Rivista. Riprese i presupposti della Commedia dell'Arte approfondendo così le mimiche facciali sino poi ad approdare alle scene teatrali. Una macchietta a metà strada tra Charlie Chaplin e Buster Keaton esordì nel 1937 nel suo primo film Fermo con le mani per poi cimentarsi definitivamente con il cinema e la televisione.

Cosa dire di successi come Guardie e ladri con Aldo Fabrizi, Totò e i re di Roma con Alberto Sordi sino a Totò a colori nel 1952? Ad un certo punto dopo la perdita del figlio si mise a lavorare seriamente realizzando capolavori come Totò, Peppino e la malafemmina, La banda degli onesti sino poi al problema agli occhi che lo perseguitò sino poi al cinema pasoliniano in Uccellacci e uccellini. Fu sempre ossessionato dalla discendenza nobiliare tanto da divenire membro della Loggia massonica Fulgor di Napoli e di creare a Roma la Fulgor Artis anche se ereditò davvero un titolo dal marchese Gagliardi Focas che lo aveva adottato perché parente della sua nonna materna. La malinconia lo accompagnò sino al fatidico 15 aprile 1967 in cui disse che nessuno lo avrebbe ricordato. Dopo la sua morte nonostante la richiesta del principe di avere un funerale semplice fu lutto nazionale con oltre 250000 persone. Totò era e rimarrà sempre un Genio dell'ironia, del cinismo, della risata mettendo in risalto i difetti di una società in crescita in cui i ruoli, i tipi derivanti dalle macchiette della commedia dell'arte storpiano il volto traducendolo in una maschera triste tra il macabro e il ridicolo. Eppure svecchiando gli stereotipi della comicità tradizionale prendeva in giro i ruoli sociali inseguendo la polemica alle ingiustizie ed alle storture di una società in crescita costante e senza valori concreti.

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Rapporto 2023

Effetti della transizione storico-sociale:

Il PUBBLICO e l'arte

L'arte non mira esclusivamente al rapporto simbiotico tra Artista e Opera ma include volontariamente ed involontariamente il Pubblico: mittente/ricevente, destinatore/destinatario. Un'osmosi perfetta! La distinzione tra le forme creative tradizionali e quelle contemporanee sono da ricercarsi nel valore letterario e culturale dei committenti che anticamente commissionavano ad artisti/artigiani lavori che dovevano esaltare i canoni estetici del loro tempo seguendo gli stili alla moda correlati ad un valore classista e di appartenenza ad un rango sociale. Ovvio che nel panorama attuale l'elitarismo globalizzato rinvii queste scelte al gusto personale e non a schemi imposti dai vertici: matrice che sicuramente attua nei confronti del pubblico un senso di maggiore coinvolgimento sino ad amalgamarsi con la realtà sino a farla sparire. In altre parole gli artisti attraverso performance e lavori creativi coinvolgono la realtà e le persone rendendole parte attiva della narrazione abbattendo così le frontiere verità/finzione che annientano la realtà in quanto tale e il distacco con il pubblico. Forse uno dei pionieri di questo ragionamento avanguardistico è stato Marcel Duchamp mediante il rapporto che poneva con l'oggetto decontestualizzato ridefinendolo artisticamente: il ready made consisteva proprio in questa operazione di ri-formattazione perché per lui l'arte non andava inventata perché era già nelle cose. Processi che nel tempo hanno portato la filosofia artistica ad evolversi servendosi del corpo Body-Art ed ai principi del Nouveau Realisme che optava per la purificazione del linguaggio: pensiamo al minimalismo, al poverismo od agli ambienti di Schwitters che hanno concesso alle istallazioni procedurali dell'attualità di interagire tra la dimensione ludica e quella del web. La sparizione dell'arte attuata dall'iper-virtualizzazione abbatte ulteriormente il confine tra realtà e illusione, tra il pubblico e l'opera: esiste generalmente una progettualità concreta finalizzata a contenere un discorso razionale/irrazionale al limite di un concettualismo radicale affinché l'arte continui a far pensare e per questo necessita proprio di un interlocutore: il pubblico. Oggi le mostre, le istallazioni, i vernissage sono studiati esclusivamente per il pubblico. In molti casi l'artista è decentrato, distaccato, distratto: si relaziona all'oggetto pensando al suo pubblico. L'atto spersonalizzato dal rapporto con le cose è ulteriormente compromesso dall'attaccamento intellettuale agli esempi, al citazionismo ostentato dal continuo dimostrare un certo attaccamento a maestri della tradizione.

In altri termini l'artista perde spontaneità nel momento in cui per dimostrare di non fare sul serio tende a prendere distanza da se stesso mostrando la sua cultura, citando maestri nel tentativo assurdo di convivere con queste scuole di pensiero senza mai prendere veramente posizione. L'opera diventa simulacro intellettivo, paradosso svuotato di significato sino ad acquisire i presupposti di un totem ricettivo privo di qualsivoglia valore. L'unica funzione plausibile diventa la condivisione con un pubblico interattivo, cosciente, capace di intendere e capovolgere criticamente i postulati dell'opera stessa. Questa via dell'arte post-concettuale non ha fatto altro che svalutare l'opera in nome di un pubblico dotto che a sua volta si è distaccato dall'opera stessa. L'artista contemporaneo ha spostato la sua attenzione dalle classi dominanti che imponevano i loro schemi finalizzati all'elevazione verticale del proprio status sociale all'orizzontalità delle masse globalizzate che devono ritrovare sé stesse nelle cose mediante l'appiattimento imposto dall'indottrinamento pubblicitario e dal bombardamento mediatico e telematico. In entrambi i casi la ripetizione dell'identico compie il suo ruolo preponderante illudendo le masse della propria centralità ma favorendone la completa spersonalizzazione. L'arte attuale non vede, non osserva, non compiange. L'arte attuale non cura l'oggetto, non lo preleva, non lo elabora. L'arte attuale non mira alla realtà, non mira alla finzione, non bada più a se stessa.

E' post-concettuale proprio per il fatto di non mettere al centro l'artista o l'opera in quanto tale ma il pubblico: è attenta al giudizio, a compiacerlo/distrarlo/contrariarlo. Il criticismo puro, oggettivo e anonimo svuotato di valore. In questo oceano impersonale e qualunquistico di operazioni intelligenti l'artista pone primariamente l'oggetto e secondariamente l'opera al servizio delle masse oramai abituate a questo discorso e per questo risvegliate dall'incanto: gli artisti cercano di stupire, di sorprendere di convincere con una certa abilità il proprio pubblico oramai avvezzo alle stranezze di ogni tipo. Questa perdita di valore ha sacrificato il significato ultimo dell'arte. Questo funzionalismo programmato, questa intellettualità decentrata, questa spersonalizzazione oggettivata è giunta al suo culmine. L'opera d'arte merita di tornare sul podio, al centro di un discorso interiore in cui il pubblico deve smettere di esistere: un'arte nuova, individuale, senza seguaci e followers. L'artista in altre parole deve tornare a sentire consentendo così all'opera di essere tale ed al pubblico di limitarsi a vedere e sognare.

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PLAY
Videogames e arte

Si conclude a metà gennaio la grande mostra de della Venaria Reale che indaga la Decima Arte: i videogiochi diventano strumento di ricerca e di ri-creatività coinvolgendo oltre tre miliardi di persone al mondo a giocare. Dodici sale vengono messe a disposizione per mostrare capolavori del passato realizzati da mostri sacri come Calder, De Chirico, Savinio o Kandinsky in relazione a maestri del videogioco. In tutto questo aleggia un senso di smarrimento da una parte e di curiosità dall'altra: immagini statiche e dinamiche, immersive ed interattive in cui spiccano realtà come Rez Infinite, Apotheon, Ico, Okami o la Monument Valley. Oppure pensiamo allo spazio Play Art in cui il visitatore avrà modo di relazionarsi a AES+F, Jago, Banksy ed altri mostri sacri del contemporaneo. Siamo a metà strada tra dimensione ludica, sperimentale e artistico-ricreativa in cui la tecnologia fa da padrona indirizzando la fantasia a prendere coscienza di nuove potenzialità e possibilità realizzative. Si tratta di un organigramma di energie condivise che prendono forma seguendo una logica destrutturante messa in evidenza dai tempi della Pandemia in cui il contatto fisico era bandito e la Tecnologia risultava come una risorsa alternativa alla realtà in senso stretto: il rischio di questa sostituzione Realtà/Virtualità è lo spettro che aleggia tra le sale della mostra. L'ambiguità tra la natura e la tecnologia, libertà e chiusura, spontaneità e finzione. Questa zona spuria tra gioco e arte mette in evidenza uno smarrimento intellettuale del linguaggio creativo che via via escluderà sempre di più il corpo nella sua fisicità smaterializzandolo definitivamente a qualcosa di effimero, volatile, virtuale. Ne emerge un principio di assenza programmata.

La storia, la vita, l'amore a Parigi in 130 Fotografie

E' iniziata ad ottobre e termina a san Valentino la mostra del fotografo Robert Doisneau presso Camera in via delle Rosine numero 18 a Torino. Lui e Henri Cartier-Bresson sono considerati i padri fondatori della fotografia umanista francese e del fotogiornalismo di strada: come si evince dalla fotografia divenuta simbolo di questa rassegna Le baiser de l'Hotel de Ville (1950) è il bacio di una coppia qualsiasi a spiccare tra la folla in un giorno qualunque nel traffico cittadino. Era la stagione in cui l'opera fissata attraverso l'impressione fotografica doveva documentare la verità così come il cinema o qualsivoglia concezione intellettuale. Questa sorta di caleidoscopio emozionale tra gesti, dettagli, ingrandimenti, primi piani e situazioni varie determinano il luogo di confine tra realtà ed artifizio, tra verità e surrealtà in cui l'ironia, il cinismo ed un profondo senso di obiettività giocosa inducono l'osservatore a guardare il mondo con occhi diversi. Erano gli anni del dopoguerra in cui l'artista era un intellettuale brillante a caccia di situazioni interessanti capaci di stimolare delle emozioni in termini empatici. La fotografia in particolare aveva il compito di dialogare con la realtà esteriore ancor di più della pittura oramai catapultata negli universi dell'astrazione e della sperimentazione pura. Doisneau aprì l'universo della pellicola a questo tipo di indagine intellettuale sino poi a generare inavvertitamente una dimensione nostalgica, di un divertimento sopito facente parte di un mondo a noi lontano.

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L'arte del raggiro: il ladro gentiluomo

Nell'universo artistico il mondo dei ladri ha sempre affascinato la fantasia ispirando poeti a raccontare di ladri, fuorilegge o persone al margine della legge ad essere decantati come antieroi per eccellenza. In questo senso pensiamo a Robin Hood il celebre eroe popolare britannico che nel medioevo rubava ai ricchi per dare ai poveri così come A. J. Raffles (1898) che nel 1925 spopolò nella letteratura così come nel cinema ed ancora Rocambole (1857) di Pierre Alexis Ponson du Terrail. Su questa linea dobbiamo almeno ricordare Fantomas ideato nel 1911 da Marcel Allain sino a Simon Templar conosciuto come Il Santo (1928) ideato da Leslie Charteris. Seguendo questa linea potremmo ricordare Bonnie e Clyde ovvero Bonnie Parker e Clyde Borrow ovvero una coppia realmente esistita negli Stati Uniti intorno agli anni '30 che con l'aiuto della Barrow gang commisero una serie di reati che li ha resi celebri sino a sfondare come la coppia per eccellenza che sconvolse l'America di quegli anni. Ma la truffa per eccellenza che resterà per sempre nell'universo cinematografico è stata compiuta da Totò ad un turista americano della celebre Fontana di Trevi a Roma: il film Tototruffa del '62 incalza questi toni dissacratori facendo sorridere lo spettatore della miseria e dell'inganno.

LUPIN  III

Nato da una serie manga il personaggio di Lupin era ispirato al celebre ladro Arsenio Lupin a sua volta ideato da Maurice Leblanc. Dopo una serie di Anime e trasposizioni fumettistiche Lupin III esordì nel 1967 con i disegni di Kazuhiko Kato (Monkey Punch): per creare un filo conduttore tra il famoso ladro passato alla storia ed il moderno truffatore escogita l'idea del nipote del ladro gentiluomo e lo immerge in una serie di avventure al limite del possibile. Accanto al ladro gentiluomo spiccano una serie di personaggi come Jigen celebre pistolero ed esperto di esplosivi dal carattere schivo; Goemon samurai di una nobile famiglia decaduta; Fujiko/Margot maggiorata attraente che utilizza la sua bellezza per incantare e derubare altri malfattori. Infine Zenigata, l'ispettore Zazà che lo insegue con profonda ammirazione.

La prima serie televisiva andò in onda nel 1972 anche se fu contrastata dalle polemiche per i toni piuttosto elevati. Da qui ovviamente si è diffusa entrando nell'immaginario collettivo: da anni le repliche, i filmati ed il cinema. Lupin fa parte della cultura di massa oramai e le sue fughe, i suoi successi, la sua passione per le donne lo hanno reso un eroe/antieroe moderno che raggiunge i suoi obiettivi anche quando la situazione sembra totalmente impossibile 

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Yves Klein