Intervista:

Il rosso e il nero (2010). Olio a spatola su legno

Maria Di Solidea Falesiedi

Maria Di Solidea Falesiedi è un'artista toscana che dipinge da diverso tempo. La cosa che mi ha colpito dei suoi lavori sono questi contenitori formali entro i quali predispone il colore: dal geometrismo rigoroso della forma spazia mediante il simbolismo cromatico giungendo così a delineare un linguaggio a metà strada tra il neoplasticismo ed un surrealismo governato dagli archetipi. Queste furono le motivazioni che mi spinsero a contattarla diverso tempo fa. E dalle nostre lunghe conversazioni in cui si parlava di arte è nato il desiderio di realizzare un'intervista strutturata analiticamente.

Nonostante qualche iniziale resistenza alla fine ha accettato e le ho posto una serie di domande. Del tipo: "Da quanto tempo dipingi? Domanda che ti pongo per rompere il ghiaccio!"

l'Intervista

Ambretta Rossi

Conosco Ambretta Rossi dal 2020 quando cioè espose presso Rinascenza Contemporanea II di Torino per una mostra che sviluppava gli Oniristi e che faceva parte del Gruppo degli Otto. Ricordo le nostre chiacchierate invernali presso lo spazio espositivo in quei freddi pomeriggi di gennaio. Poi lo stop improvviso tra la mia malattia e la pandemia.

Ora che tutto sembra volgere nuovamente alla normalità la ritrovo per un'intervista su una panchina soleggiata e là ci mettiamo a discutere mentre prendo appunti e le chiedo:

           ACHER. Digital Art       

L'Intervista

Maurizio Farina fa parte di quegli artisti che credono esclusivamente nel valore del proprio operato mettendo in secondo piano la vanità o la filosofia del personaggio manager. Dopo aver operato insieme per diverse mostre che considervano il percorso storico della Post-Avanguardia Italiana secondo i dettami della Digital Art siamo giunti a questa intervista telefonica avvenuta diversi mesi fa. Nel susseguisri di domande e risposte riusciamo così a dare voce al pensiero dell'artista dietro la sua opera.

Come è approcciato all'arte?

Sin da bambino ho coltivato questo orticello: disegnavo tantissimo prendendo spunto anche dai fumetti della Marvel e nonostante una scuola di grafica che mi ha insegnato tecniche ho sempre vissuto in me la dimensione artistica: dalla matita ai pastelli è stato nel 2009 che la digitalità mi ha coinvolto emotivamente.

Cosa la colpisce di questa forma di linguaggio nello specifico?

Semplicemente mi ha dato la possibilità di affrontare la complessità del colore. Essendo fondamentalmente un buon disegnatore è stato l'intervento digitale a dilatare la mia propensione creativa all'uso dei colori.

Dunque come vede l'avanzamento progressivo dell'intelligenza artificiale in questo processo?

L'arte è lo specchio dei tempi. E questa è un'epoca attratta solo dal denaro: un artista oggi è soprattutto una figura spuria a metà tra la voglia di creare e di vendere il proprio operato. In Italia le cose sono come all'estero anzi, c'è forse troppo attaccamento all'aspetto promozionale più da noi che in altri Paesi civili in cui sono stato. In questo senso l'Intelligenza artificiale può essere un'opportunità di progresso se utilizzata per facilitare la vita dei cittadini invece se abusata può diventare un'arma a doppio taglio e restringere le libertà ed il libero pensiero. Ogni cosa cambia in base all'utilizzo che si fa.

Sente di avere avuto riconoscimenti dal mondo della cultura?

Sono finito su libri di storia dell'arte da parte di studiosi prestigiosi: sono stato citato su "Artisti europei da non dimenticare" di Rosario Pinto ed ancora hanno scritto di me su "Eccellenze. Sguardi sulla pittura italiana contemporanea" del 2015 di Paolo Levi e soprattutto su "La via italiana all'Informale" di Virgilio Patarini in cui sono stato considerato per il mio stile e tecnica esecutiva.

Queste considerazioni hanno soddisfatto la visione che lei ha per se stesso?

Non riesco a giudicarmi: per me l'arte è qualcosa di laterale alla mia esistenza nel senso che non mi da di che vivere eppure resta fondamentale per la mia esistenza stessa. Non potrei vivere senza arte. In questo momento in cui scoppiano guerre, pandemie e dove l'uomo rischia di essere superato da macchine super-intelligenti, l'arte assume per me un valore ancora più grande perché scinde l'umano dal robot mettendo in evidenza le nostre potenzialità come i nostri limiti. Quindi per rispondere alla sua domanda dico che non si tratta di soddisfazione personale ma di una forma di consapevolezza perché essere considerati significa partecipare con i propri mezzi ad un percorso storico.

Quindi per lei è stato importante l'essere riconosciuto dalla storia?

Ripeto. Escluderei il fatto personale che scadrebbe nella vanità. Si tratta del condividere il proprio linguaggio a qualsiasi sfera di intelletto. L'arte ha questo scopo anche se molti artisti sono più attratti dalla fama e dal denaro che dalla condivisione del loro operato. E' tutta una questione di marketing e l'opera diviene mezzo per far soldi: per me questo è marginale!

LUNE ROSSE. Digital Art

E se il linguaggio non dovesse essere capito dalle genrazioni che verranno?

Questa forse è la paura più grande. Chiunque faccia arte desidera essere compreso: nel qui ed ora predominano gli schemi comportamentali, le regole codificate, le mode ma quando entriamo nel discorso creativo siamo in presenza di qualcosa di più elevato. Un artista crea nel suo tempo ma fa qualcosa che sopravvive alla Storia. Quindi è fondamentale che il suo lavoro non sia considerata solo nel proprio tempo ma che sopravviva ad esso e che proprio da quel tempo decolli verso un linguaggio universale comprensibile soprattutto a coloro che verranno nel futuro. Se questo interscambio non esistesse non avrebbe senso creare. L'artista parla universalmente quindi e non esiste tempo per l'opera che realizza nel proprio studio.

Tornando al suo lavoro quindi lei utilizza il digitale come forma di espressione universale mendiante la quale le generazioni future avranno modo di accedere e comprendere?

Sicuramente. La mia espressione parte da contenitori formali che definisco analogici nel senso che badano ancora ad una costruzione della forma nel rispetto dell'armonia e dell'equilibrio ai quali però l'evoluzione digitale spinge più in là questo approccio ad una ricerca cromatica da cui posso scegliere, intervenire, modificare sino ad ottenere quelle sensazioni metafisiche che attuano quel linguaggio universale di cui le parlavo prima.

Eppure anche i modelli dell'universalità che dice cambiano nel tempo e vengono risucchiati dal calderone delle mode. Accetterebbe di essere letto diversamente da ciò che sostiene e per cui opera?

L'artista non ha scelta. Ne è consapevole. Nel momento in cui si genera un'opera la realtà svanisce o meglio, viene momentaneamente tralasciata per essere amplificata emotivamente proprio nell'opera che si sta realizzando: quando la mente è concentrata resta in standby e rigetta tutte quelle atmosfere, quelle dimensioni sospese, quei pensieri latenti proiettandone la sostanza in quel manufatto. Questa dimensione psichedelica che domina i miei lavori serve proprio a dilatare l'apertura a qualsiasi visione: dunque come potrei fermare il flusso di pensieri in chi verrà? E' ovvio che tra cinquant'anni, cento anni o chissà quando il modo di intendere le cose sarà diverso nel bene o nel male. Eppure un linguaggio universale è fuori dal tempo o lo cavalca restando sempre attuale.

Le domando ancora se ha modelli ricorrenti o figure nel mondo dell'arte che la stimolano particolarmente. Può dirci qualcosa in proposito?

Sinceramente potrei farle una lista infinita di artisti che hanno influito su di me e le mie scelte. Eppure voglio andare al di là della pittura e citarle un leitmotiv che segue tra i tanti la mia ispirazione: si tratta di Vangelis. Quando creo ascolto molte volte brani sonori che accompagnano le mie esecuzioni artistiche. La musica è fondamentale nello spazio che dedico alla creazione perché mi da la possibilità di viaggiare con la mente e disperdermi nelle dimensioni separate, negli spazi infiniti e viaggio immerso in questo vortice di atmosfere sospese. Senza musica le mie opere non parlerebbero come fanno: a volte penso che siano scenari proprio di quei mondi distanti che Vangelis sonorizza.

Infine: valuta che resterà qualcosa di tutto questo?

Tutto quello che facciamo resta in qualche modo. L'arte è per me una sorta di messaggio dentro la bottiglia. Naviga nel tempo; rischia di essere dimenticato; resta nel buio per secoli poi ecco, per miracolo qualcuno lo tira fuori in un momento indeterminato nel tempo e voilà: le nuove generazioni troveranno questo reperto archeologico di pura fantasia che io ho realizzato quaggiù con le mie credenze e loro comprenderanno diversamente attraverso i loro linguaggi ed il loro modo di intendere il mondo. Questo è il mistero, questa è la sfida, in questo sta il bello!

RAMI (2022).Vernice e pennarello a smalto su cartone telato

TOTEM (2022). Vernici su cartone telato

L'Intervista:

Nella luce (2020) Acrilico su tela  

Il saggio (2020).Acrilico su tela

Anna Actis Caporale

Conosco da anni l'artista Anna Actis Caporale ed in particolar modo dall'ultima mostra personale che realizzammo nel 2021 a Torino presso Rinascenza Contemporanea II nella Mostra d'Inverno facente parte del ciclo Le Stagioni dell'Anima. Da allora sono accadute tante cose sino poi all'intervista di qualche mese fa realizzata telefonicamente in cui lei ha iniziato raccontandomi aneddoti della sua vita privata:

" Ho sempre amato l'arte. Mio padre era artista e così mio fratello. Quest'ultimo aveva uno stile geometrico completamente diverso dal mio poi morì in un incidente stradale. Eppure il loro insegnamento è stato fondamentale per me: io lavorando in banca e non avevo tempo per dedicarmi alla pittura quindi riuscivo a viaggiare e lì sentendomi finalmente libera scattavo tantissime fotografie"

Le chiedo quindi da quanto tempo dipinge e quanto il viaggio sia stato importante per lei:" E' da molto tempo che dipingo ma negli ultimi anni ho trovato proprio nella pittura lo slancio per mettere in pratica ciò che documentavo attraverso la fotografia. Ricordo quando nell'82 andai in Cina e rimasi colpita dall'apertura mentale di quelle persone o quando pochi anni dopo mi recai nella popolosa India. Poi nello Yemen percepii atmosfere che mi riportavano indietro nel tempo: era come ritrovarsi nel medioevo toccando con mano atmosfere perdute dalle Mille e una notte"

Ed ancora: Cosa pensa della società in cui vive e dell'arte contemporanea?

"Penso che l'Arte sia qualcosa di intimo e individuale e che non ci siano modelli di riferimento soprattutto per le nuove generazioni assorbite dai social. E' una fase storica controversa priva di ideali in cui la super-informazione sta contribuendo ad una forma di appiattimento generale in cui si rischia di perdere la spontaneità. L'arte è il frutto di questa dissociazione e non ha scopo se non quello di trasformare l'artista i strumento di questo meccanismo insano. A queste condizioni non mi trovo a mio agio e dipingo secondo ciò che sento: ora sono le mode a dominare e che a loro volta siano risucchiate dal mercato"

Le chiedo ancora se esiste l'arte.

" Esiste nonostante tutto ed esisterà per sempre anche quando crederanno che non esista più: come dicevo un mondo rapido sempre più assorbito dalle guerre, dall'economia e dall'utilitarismo mira alla concretezza e all'efficienza non a schemi di pensiero creativo. 

Museo Civico Casa del Conte Verde - Rivoli (TO)

ENTELECHIA, la coscienza delle cose

Mostra Antologica di Fulvio Bresciani

Tratto ora di una mostra presentata circa un anno fa presso il comune di Rivoli di cui il protagonista resta uno dei più grandi pensatori/scienziati della nostra epoca: il dott. Fulvio Bresciani. Per una civiltà fondata sulle immagini e sul potere virtuale dell'apparenza, è fondamentale giungere a una forma di espressione che miri a mostrarsi per quello che è non solo in potenza ma in atto: in questo caso ci viene in soccorso l'entelekeia aristotelica ovvero l'en telei ekein che indica l'essere nel suo pieno sviluppo seguitando le proprie regole in senso compiuto. In altre parole ogni cosa avrebbe in se stessa il principio primo ovvero lo scopo verso cui tenderebbe spontaneamente a evolversi; detto diversamente è come se esistesse una sorta di destino predefinito secondo cui la materia in quanto tale provvederebbe ad adempiersi compiendosi: come dire che il seme possegga in potenza ciò che raggiungerà mediante la propria evoluzione fisica. In contrasto a questo principio di destino preordinato in sé, era nell'idea platonica che dava attributo non alla causa finale attraverso la materia ma a connotazioni preordinate mediante l'aspetto ideale.

Cioè è la materia a evolversi in se stessa o seguita l'intelligenza divina?

Ed eccoci al dott. Fulvio Bresciani: dal ciclo di mostre precedenti a oggi ci ha fatto comprendere attraverso il proprio modus operandi dell'Astrattismo Inverso come la casualità possa essere resa dalla logica causale trasferendo sul piano ideale lo spontaneismo delle scie atomiche in griglie pittoriche cui dare un senso artistico; da qui il secondo livello di ricerca in cui elabora sculture cinetiche che partono dall'estremo opposto: genera causalmente forme plastiche astratte che girando su una piattaforma a circa 500 giri al secondo creano nuovamente una forma riconoscibile.

In questo caso entriamo nella Sincronicità junghiana secondo cui diversi eventi che avvengono contemporaneamente siano connessi tra loro influenzandosi reciprocamente in una sorta di coincidenza a-spaziale, a-temporale. Da qui al terzo livello in cui la decodificazione di queste linee in formule matematiche poi tradotte in note e suoni analogici sintetizza un percorso iperuranico nel quale la creatio intuitiva dava allo scienziato la possibilità di svelare l'equilibrio celato dalla materia. In questa Mostra Antologica il dott. Bresciani compie uno sforzo intellettuale ulteriore abbracciando esattamente la tesi opposta secondo cui quell'Idea preordinata platonicamente in un Ente superiore viene letta servendosi della Materia cosciente e intelligente ovvero nella materia stessa. In questo senso da un valore immanente della materia (qui ragiona da scienziato) accetta quello trascendente e spirituale (qui da artista) proponendo una sintesi perfetta da cui elabora il principio di Anima.

Per una via o l'altra dunque il dott. Bresciani è in grado di dimostrare la coscienza delle cose a prescindere dal proprio grado e livello d'interpretazione. Dall'elaborazione su monitor di particelle che si muovono nello spazio formando casualmente griglie da cui estrae figurazioni traslate pittoricamente inducendo così l'osservatore a riconoscere ciò che la Natura ha prodotto casualmente all'elaborazione di sculture cinetiche che invertono la causalità nella casualità fino al terzo livello di sperimentazione dell'Acustica: ci dimostra che il principio di iperuranità secondo il trascendentalismo platonico (Esteriore) sia perfettamente coincidente con l'immanentismo aristotelico (Interiore). Ne l'Ombra del vaso le linee derivate casualmente dalle scie del moto particellare sono isolate in un determinato frame sino al momento in cui lo studioso fissa pareidolicamente un'immagine oggettiva e riconoscibile da cui in seguito pone ironicamente il contrasto del vaso e della sua ombra femminile; lo stesso avviene in The Moon in cui vede un astronauta gravitare intorno al suolo lunare e così ne Il sogno in cui una figura fanciullesca si allontana dal suolo mediante tre palloncini.

Moti contenuti nelle linee del tempo quasi come se lo studioso tentasse di comprendere il linguaggio nascosto delle cose attraverso le particelle subatomiche che una volta codificate vengono tridimensionalizzate concettualmente servendosi della scultura per essere poi definitivamente sonorizzate. Questa triplice trasposizione tende alla lettura di un destino entelechico non solo in potenza ma in atto che dimostra l'esistenza di un'anima predefinita. In questo senso accettiamo un'intelligenza, una profondità, una relazione sincronica tra gli eventi secondo cui nella materia coesisterebbero un'anima vegetativa/istintiva raggiunta servendosi della pittura, un'anima sensitiva determinata dal moto e attuata dalla scultura e infine un'anima intellettiva raggiunta per mezzo della razionalità mediante la partitura musicale. L'arte per Bresciani ha un valore di riscoperta dell'anima e la tecnica rende possibile la comprensione di meccanismi a noi sconosciuti. Che sia il destino o il libero arbitrio delle cose è nella materia e attraverso la materia stessa che si attua il disegno naturale: in questo stato Bresciani dimostra un'equazione ilemorfica mediante la quale l'anima non sia distinta dal corpo ma coincidente proprio con la sua forma. 

"Mates":

ricordi di una mostra presentata a dicembre!

Questi compagni ideali, queste anime intrappolate nella forma mediate la sequenza degli olii su tela divengono sguardi vivi, punti di riferimento, fulcri stabili in un mondo in costante movimento. Classe 1978 nasce in Sud America a Guayaquil Ecuador sino poi al suo trasferimento nel nostro Paese dove quasi per caso inizia a dipingere.

Ed è qui che mette in campo la sua tecnica minuziosa mediante uno stile Iperreale attuato dalla profondità della monocromia in cui si ispira a celebri fotografie di grandi maestri della storia; grazie a questa operazione dunque sembra riportare in vita pittoricamente vecchie fotografie animandole di quel qualcosa in più. Della fotografia in realtà coglie l'attimo in cui è stata impressa, l'istante in cui quello sguardo si è fissato sulla pellicola, il momento celestiale in cui quell'anima è stata rubata: in questo gesto melanconico di pop, iper, post trasmissione di valore estetico post novecentesco, post-concettuale, post-impressivo genera un'ESTRAZIONE fotografica che ho definito fotoestrattismo secondo cui parte da un singolo dettaglio colto nella realtà od in quella zona spuria tra realtà ed interpretazione di una fotografia tradizionale da cui però inizia il suo viaggio pittorico ricercando quanto più debba essere riportato in vita fedelmente: un fulcro energetico dal quale poi ricerca il momento dilatato in tutte le sue forme. Il fotoestrattismo della Lillo a prescindere dalla sua ricerca precedente o dalla sua provenienza culturale è l'espressione pura di una posa che metteva in risalto un volto, uno sguardo, un centro focale di energia da cui il flusso di linee, di colori e movimenti strutturali ha preso corpo e dimensione: assistiamo così al malinconico sguardo dei Soggetti Prigioni come Mick (2021) che stringe tra i denti un coltellaccio o 1984 (2020) in cui è il monocolo e la sigaretta del soggetto ad attrarre la nostra attenzione così come nella Petite Chérie (2021) nel gesto sospeso della mano della bambina che sorregge un oggetto mostrandolo al pubblico sino al Self portrait (2020) in cui sono sempre gli occhi dell'artista stessa il punto di gravità da cui tutto il magnetismo si muove. Dai soggetti prigioneschi ovvero racchiusi in queste gabbie emozionali poi abbiamo i Soggetti Corali come in Sons (2021), The Trip (2021) o Young Women (2021) in cui la Lillo descrive occhi parlanti e di conseguenza soggetti assorbiti dalla propria storia, dalla propria cultura, dal proprio mondo ma isolati sempre nella propria individualità e nella profondità della propria anima. Il fotoestrattismo lillesco consiste proprio nell'isolare la dignità del soggetto estrapolato così dal suo universo di provenienza e riportato in evidenza mediante una pittura diretta, sincera, priva di filtri ed illusioni. Occhi parlanti nel silenzio della ragione. Il resto lo farà il pubblico confrontandosi con il potere di queste immagini e donando ad esse un grado empatico di emotività grazie alla quale l'opera stessa prende corposità e diviene viva. Muoversi tra questi lavori è come attraversare una galleria di specchi riflettenti che non ti perdono mai di vista.

L'Intervista:

MARCO CREATINI

L'Entusiasmo della Creazione

"Per me è complicato parlare di me stesso" mi dice l'artista Marco Creatini davanti a un caffè:"...ora mi trovo in un momento creativo in cui la consapevolezza accademica si infrange nel qui ed ora!"Creatini è un maestro d'arte della vecchia scuola: la consapevolezza pittorica ereditata con il suo collega Andrea Berlinghieri dalla bottega di Antonio Nunziante a sua volta proveniente da Antonio Ferroni stabilisce una cultura dell'arte.

Eppure la discendenza metafisica nel tempo ha preso in lui una diversa connotazione e proprio ora che insegna al Corso di Pittura presso la Novel Academy della scuola d'arte di Torino spinge la ricerca in questi termini: "Il mio compito..." dice guardandomi dritto negli occhi:"...è quello di comprendere il livello tecnico dei miei allievi che a loro volta generano in me nuovi stimoli che poi trasferisco nel mio lavoro pittorico!"

Conobbi Marco oltre una decina di anni fa. Stavo organizzando una collettiva per un Hotel torinese che metteva a disposizione le sue sale per un'esposizione di giovani artisti: mi innamorai letteralmente dei suoi lavori e da quel momento collaborammo insieme per altri eventi come ad esempio per una mostra personale nella mia galleria di allora nella città dannunziana.

Ritrovarlo in questa fase dopo anni oltre la pausa pandemica mi fa riconoscere in lui tenacia e determinazione: è stato sempre il pittore che non ha mai dato importanza alla vendita dei suoi quadri eppure ha sempre venduto tutto. Quando gli chiedo infatti quanti suoi lavori possieda ancora mi risponde secco:" A casa me ne sono rimasti solo quattro. La mia pittura viaggia. Non sta mai ferma!" e sorride portando il discorso da tutt'altra parte:

"Ho periodi in cui non ho tempo per chiudermi nel mio studio e lavorare per tutto il tempo che vorrei e in questi momenti di transizione in verità progetto, porto in vita con la mente l'idea del mio prossimo quadro e fantastico al punto di realizzarlo esattamente come avevo immaginato".

Per Marco il soggetto è centrale nel senso che da esso si genera il focus della composizione da cui si svilupperà l'intera impalcatura dell'opera. "Ovvio..." aggiunge:"...in fase di elaborazione può divenire altro ancora!" ma di solito la creazione di una struttura rigorosa su cui fondare formalmente l'intera significazione simbolica del dipinto è basilare. La teatralità al limite della scultura metafisica posta in primo piano e dove il paesaggio retrostante solitamente rappresenta lo stato emotivo quasi a descrivere i sentimenti del soggetto divengono caratteristiche portanti della sua pittura..

" Parto dal disegno su cui creo una base monocroma con Terra d'Ombra sino poi ad aggiungere una velatura d'Ocra Rossa" mi ripete spigandomi come un maestro di bottega rinascimentale i segreti della sua scienza per ottenere poi questi capolavori strabilianti.

Nell'arco della conversazione mi descrive anche i suoi modelli di riferimento nel panorama dell'arte extratemporale e mi cita geni del calibro di Thomas Cole, William Turner, John Constable ricordandomi una mostra presso la Venaria Reale per non parlare di Caravaggio.

Da quello che emerge dagli appunti che prendo mentre lui parla è che l'idea sia centrale nella sua produzione che poi mette in opera nella realizzazione fisica del soggetto: da questo il colore avrà un senso tecnico e decorativo al contempo per rendere realistici o alquanto veri i criteri illusivi della scena poetica espressa. In questo senso aggiunge:" Per me è importante anche il titolo da attribuire al mio lavoro. Proprio dal titolo si darà una direzione al visitatore di ogni tempo per comprendere la ragione di questo mio sforzo compositivo". Nel titolo infatti è nascosto il significato ultimo del valore intrinseco dell'opera a prescindere dal tempo storico in cui fu realizzato. Nell'arte di Creatini il simbolismo, la metafisica sono poetiche di una teatralizzazione del mondo: come quinte di una messinscena pone al centro iperrealistiche figure spesso sculture, bronzi di cavalli, mappamondi, elmi che si caricano di significato grazie ai paesaggi retrostanti che li aprono al cosmo: genera così un dentro ed un fuori, un sopra e un sotto, un avanti e un indietro. Una direzionalità, una teatralizzazione appunto che porta noi contemporanei ad esserne inglobati. " Quello che conta..." dice infine:"...è mantenere entusiasmo! L'entusiasmo è il fuoco che alimenta ogni cosa!" e ci salutiamo come due vecchi amici.  

Era un pomeriggio d'autunno quando io e Emanuele Chianesi ci siamo incontrati nel bar dell'Nh Hotel nel cuore di Torino. Prima di iniziare l'intervista ha estratto dalle sue cose un pendolo ed ha disegnato su carta una sequenza di misurazione che gli consentiva di percepire la mia energia. Poi tra una cosa e l'altra ha finto di trascurare questo aspetto ed è passato ad altro. Chianesi è un formatore oltre che ricercatore contemporaneo che ha ideato il metodo Human Balance Equalizer riconosciuto a livello nazionale. Presente anche nei registri speciali Aspin opera sul riallineamento dell'equilibrio psico-emozionale servendosi di questa sofisticata tecnologia di cui tratteremo a breve. "Tutto partì da un cliente sordo…" mi rivela sin da subito"…mi occupavo di progettazione acustica all'epoca e realizzavo sistemi di riproduzione sonora per audiofili". Dopo qualche pausa continua, sorseggiando da un calice di vino bianco:" …l'impianto di diffusione sonora doveva funzionare attraverso le vibrazioni tattili: il cliente avrebbe potuto così riconoscere il senso musicale dall'emissione di onde cogliendo così la traduzione dei segnali sonori sul proprio corpo". Dopo alcuni salti pindarici siamo giunti nel cuore della questione: il progetto denominato HBE (Human Balance Equalizer) secondo cui il benessere della persona è strettamente legato alla frequenza interiore e questa regola il corretto funzionamento dei processi psicofisici. In questa direzione la gamma dei dispositivi progettata da Chianesi è ampia e molto strutturata: la Legge di Risonanza è la chiave per procedere in questa direzione, dal generatore di Schumann per ritrovare le frequenze benefiche terrestri nell'intimità della nostra casa sino alla Sfera Emozionale Grounding prezioso strumento di riconnessione e radicamento (utilizzata dagli operatori del benessere appositamente formati) fino alla Chaise Longue emozionale ovvero una preziosa poltrona concepita sulle proporzioni auree affinché il paziente possa sperimentare il riallineamento dei propri centri energetici. Il lavoro di Chianesi si basa sull'utilizzo di campi di frequenze, nello specifico quelle vibro-tattili nate dall'integrazione tra stesura sonora e algoritmi matematici frutto del decennale lavoro svolto con l'amico, compositore cinematografico maestro Enrico Sabena che ne ha riconosciuto la validità strutturale partendo dal presupposto che si tratti di una formulazione tradotta in un impulso mediante l'emissione di un suono/frequenza atto a curare, livellare, equilibrare. Quello che Chianesi specifica è che:"… tali dispositivi non guariscano da patologie ma spingono al ritrovamento del proprio stato naturale di equilibrio ed armonia con le cose perché noi siamo parte del Tutto ed il Tutto è presente in noi nella sua forma attuale". Entrando più nello specifico Chianesi descrive gli studi della Nasa negli anni '70 rivolti alle onde Shumann per il benessere umano in previsione dell'inquinamento elettromagnetico che avrebbe depauperato le nostre abitazioni dalla ricezione delle frequenze di madre natura e schermature che creano barriere al giusto flusso delle energie telluriche del pianeta: l'apparecchiatura in questione riproduce la gamma armonica di tali frequenze ristabilendo l'equilibrio energetico del soggetto che lo utilizza, la relazione con se stesso e gli altri. In altre parole il metodo HBE risintonizza l'organismo attraverso vibrazioni tattili che servendosi di basse frequenze sonore inducono il corpo ad abbandonare le tensioni: " Parliamo di Vibroacustica quando ci spingiamo più in là della musica udita attraverso orecchio ma di vibrazioni che percepiamo sul corpo grazie alla risposta della rete muscolare della struttura ossea e dei vasi linfatici". In questo modo interagisce la Sfera Emozionale la quale: "…mentre gli algoritmi matematici intervengono sui fusi neuromuscolari attraverso le vibrazioni, i battiti binaurali sintonizzano gli emisferi cerebrali nello stato delle onde Alpha". Parliamo così di musiche ideate sul respiro universale che richiamano alla fase prenatale dell'esperienza della vita. Aggiunge lo studioso: " La Sfera infatti è composta al suo interno da due camere acustiche simmetriche come il cervello umano. La realizzazione è un'opera lignea che attinge all'antico sapere della più antica liuteria italiana abbinata ad un originale sistema di traduzione dei segnali"

Ed ancora:" Sono sempre stato affascinato da una dichiarazione di uno dei più grandi geni dell'umanità, Nikola Tesla che sosteneva di quando l'umanità avrebbe compreso la relazione tra i numeri 3, 6 e 9 scoprendo così le chiavi che regolano l'Universo". Un importante testo ha supportato questa dichiarazione ovvero il celebre Hearling Codes for the Biological Apocalypse di Leonard Horowitz in cui vengono spiegati gli studi che hanno portato alla codifica delle frequenze del Solfeggio Armonico e dei benefici ottenuti dal loro ascolto. Oggi queste frequenze vengono sperimentate in numerosi centri di ricerca per correlarle con la biologia umana. Chianesi affascinato da questi sei toni ha concepito un ciclo di suite musicali originali contenenti queste informazioni terapeutiche ove le singole frequenze sono state traslate in note opportunamente introdotte nella stesura armonica e ritmica dei brani. Su questi effetti di natura terapeutica è d'accordo la dott.ssa Fiorella Gossetto medico foniatra, omeopata, agopuntrice la quale spesso associa nei trattamenti di ozonoterapia l'ascolto di frequenze in cuffia. La pratica è stata condotta su pazienti oncologici e soggetti con esiti da polmonite interstiziale; questa ha potenziato energeticamente e definito con maggior precisione l'intento terapeutico di ri-ossigenazione aumentando la compliance del paziente che risulta più rilassato e ricettivo. Una di queste frequenze è 528 Hz detta Frequenza del Miracolo probabilmente uno dei toni sinusoidali più sperimentati al mondo utilizzato in molti trial medici grazie alla presunta capacità di rigenerare l'elica del DNA. E dice: " In altre parole il corpo umano è dotato naturalmente di un trasmettitore e di un ricevitore di frequenze evoluto. E' come se dentro ognuno di noi esistessero delle antenne interne dette aminoacidi ed organizzati nel DNA di cui solo una ventina di antenne sono funzionanti di cui le altre quarantaquattro rimarrebbero perennemente spente. Grazie al principio di Risonanza e all'uso di specifiche frequenze possiamo muovere la risposta biologica corporea verso un riallineamento alla Natura". Accompagnare le persone a ritrovare le proprie frequenze interiori è un processo che aiuta il benessere psicofisico, la percezione degli avvenimenti attorno a noi così come migliora le interazioni con gli altri. Infine Chianesi spiega in maniera articolata il suo principio:" Credo fermamente nell'uso del suono per ampliare la nostra parte intuitiva e abbandonare gli schemi razionali che ci governano migliorando la risposta emotiva per superare i condizionamenti. Un conto è l'ascolto di un brano musicale inciso da un cantautore altra cosa è la fruizione di apposite suite contenenti frequenze di riprogrammazione. Nel secondo caso non è necessario un ascolto attento ma basta stanziare in un luogo dove queste vengano trasmesse adeguatamente per riceverne l'informazione benefica. Da questa idea sono nati dei contenitori cromatici che possono offrire tale esperienza, una vera e propria installazione". Da questo trattamento infatti sono stati elaborati dei contenitori cromatici: ovvero per sei brani di sequenze ne sono stati realizzati pittoricamente solo quattro di cui uno in particolare riprodotto in fondo in veri e propri Quadri Armonici come risultante di un'opera immersiva dettata dall'ascolto di Frequenze del Solfeggio Armonico. Poi se a questo vogliamo legare il piacere estetico del dipinto all'esperienza benefica dell'ascolto interviene a mo' di cornice l'installazione Sound Hearling che riproduce dal suo interno proprio i suoni terapeutici descritti dal Solfeggio Armonico mentre lo spettatore è immerso nella contemplazione cromo-terapica del quadro. In questo senso risulta semplice descrivere la relazione che esiste tra i suoni ed i colori. Ciò spinge l'ingegno umano a ricercare la perfetta simmetria e costruzione divina inclusa nella proporzione aurea: in altre parole stiamo trattando della costante di Fidia corrispondente al numero irrazionale 1,618 in cui vi era la correlazione tra macrocosmo e microcosmo, tra Dio e l'Uomo e che riportava al principio stesso di bellezza e di armonia. Leonardo da Vinci lo riprese nella struttura dell'Uomo Vitruviano sino a La geometria segreta dei pittori di Charles Bouleau in cui descrisse la sezione aurea come costrutto diffuso tra gli artisti prerinascimentali del calibro di Giotto, Cimabue e Duccio seguitando gli insegnamenti poi descritti in De Divina Proportione di Luca Pacioli.

Questi gli spunti essenziali tratti da un pomeriggio interessantissimo in compagnia di un ricercatore dedito al senso profondo della sua missione intellettuale e scientifica. Abbiamo aspettato il tramonto per mettere in pratica parte della sua conoscenza: riprendendo il pendolo con il quale aveva esordito ha misurato per la seconda volta la mia energia. Costatando come la avesse potenziata mi ha guardato negli occhi con una profondità ed una sensibilità fuori dal comune. Era riuscito a farmi star bene e questo lo entusiasmava.

Quando pensiamo a Giger vengono subito in mente le scene horror del film di fantascienza ALIEN di Ridley Scott nel 1979 anche se prima aveva già collaborato ad Hollywood con Alejandro Jodorowsky per la realizzazione di Dune un progetto che non decollò mai. Sappiamo infatti che il romanzo di Frank Herbert doveva accogliere diversi spunti come il trono wc di Duchamp, con le musiche dei Pink Floyd sino alla partecipazione di Dalì nei panni dell'Imperatore. Eppure la sua dedizione per il macabro, per i teschi o per i feti umani ci portano indietro nel tempo a quando il padre farmacista gli diceva di stare lontano dai farmaci nel suo laboratorio e di quando da grande decise di frequentare la scuola di design industriale sino alle arti applicate proprio a Zurigo. Dipinse tantissimo tentando autonomamente di esporre in Svizzera una serie di opere fondate sul precisionismo anatomico e la cura ossessiva di dettagli: dall'olio alle chine ed inchiostri apprendiamo la cura e la maniacale dedizione ai particolari.

Giunse nel tempo a creare forme nuove rasentando una nuova forma si neo-Surrealismo: le forme ibride da lui definite Biomeccanoidi trovano il consenso generale del pubblico. A metà strada tra forme organiche e robotizzate queste manifestazioni mostruose di tecno-civiltà stimolano il desiderio di andare decisamente oltre.

A questo punto della sua carriera decise di creare a New York un bar con arredi e designer personalizzati: anche in questo caso il progetto fallì e decise di aprirlo nella sua città natale.

A Coira utilizzò un progetto minore che divenne GIGER BAR e lo inaugurò nel 1992 ed è stato aperto in una zona commerciale che ha stimolato successivamente il desiderio di aprirne un secondo in Giappone di cui sappiamo che fu chiuso perché frequentato esclusivamente dalla malavita locale conosciuta col nome di Yakuza.

Sempre in questo periodo decise di lavorare al progetto ambizioso del GIGER MUSEUM che prese forma all'interno del castello medievale di St. Germain in un borgo svizzero di Gruyeres e fu inaugurato nel 1998.

In questa dinamica espressiva il riferimento al Surrealismo daliniano si ritrova in una serie di disegni in cui la mistica a fondo infernale guida lo spettatore in una serie di viaggi fantasmagorici verso le zone d'ombra del proprio inconscio.

Adorava William Blake così come l'alchimia di Hieronymus Bosch eppure prendeva spunto dalla lezione dei maestri Fiamminghi così come dal mistero estetico dei Preraffaelliti.

Desiderava in ogni modo mettere a nudo le angosce infernali che lo ossessionavano in cui da una parte doveva spiccare il macabro a metà strada tra l'orrido e la morte dall'altra invece la sensualità e il desiderio carnale.

Eros e Thanatos convivevano farmaceuticamente nelle ibridazioni meccaniche in cui qualcosa di nuovo, spaventoso ed originale doveva prendere il posto della tradizione.

La cupezza del suo stile attrasse artisti di tutto il mondo: pensiamo agli Emerson, Lake & Palmer che gli chiesero di elaborare un disegno per la copertina dell'album Brain Salad Surgery sino poi ad approdare a David Lynch.

Insomma un genio d'altri tempi approdato al cinema per vie trasverse e che avrebbe segnato un capitolo nella storia delle arti.

La vita, i misteri, il rapporto col satanismo e le leggende nate intorno al genio ribelle lo accompagnarono per il resto della sua vita sino quando nel 2014 all'età di settantaquattro anni si spense dopo una caduta improvvisa.

Fu a cavallo del 2008 che ebbi la possibilità di raggiungere in automobile la Svizzera partendo da Torino. Era a cavallo tra l'inverno e le prime luci di primavera quando giungemmo nella cittadina svizzera che sembrava avvolta da un'atmosfera medievale mentre all'interno del museo cambiava tutto: dalle scenografie cinematografiche al soffitto realizzato con ossa sembra di entrare in un mondo mortifero a metà strada tra fantascienza ed horror.

Una dimensione sospesa che l'artista volle riprodurre fedelmente per sottolineare la fama raggiunta dopo aver vinto l'Oscar per i migliori effetti speciali per il film Alien che lo rese famoso a livello mondiale.

Eppure non si montò mai la testa: come lo stesso regista Ridley Scott ricorda quando lo incontrò per la prima volta in un parco soleggiato e lui era pallido ed avvolto in un impermeabile quasi come se detestasse la luce e non volesse farsi vedere dalle persone. 

Il museo rispecchia questi aspetti cadaverici della sua personalità bizzarra: lì dentro si respira un'atmosfera trasgressiva attraversando incubi ad occhi aperti tra teschi, quadri, sculture ed ossa finte che creano una volta mortifera tra la vastità dello spazio e delle tombe egizie. Tornare alla realtà sarebbe risultato assai complesso dopo una simile esperienza perché lo slancio verso l'altrove era molto forte: ma il mondo lo guardammo con occhi diversi perché la stranezza di quelle camere, l'unicità di quei lavori in cui il maestro aveva creduto sembravano parlarci da una dimensione sospesa; era come se ovunque il suo sguardo magnetico ci perseguitasse. Durante le due ore di permanenza in questo luogo/non luogo un improvviso smarrimento si impossessò di me tramutando una visita in un viaggio introspettivo.

Usciti di là tornammo al medioevo realmente esistito e respirammo l'aria con piacere estremo.

Viso ritrovato su una Grotta interiore (2010) China, ossidi, colla e matita su carta

Parlare di un artista del calibro di Andrea Gruccia non è cosa facile. Autonomo, indipendente a volte strafottente è il classico intellettuale fuori dalla righe non tanto per eccentricità o sotto forma di ego smisurato: tutt'altro. Andrea Gruccia è un artista genuino capace di trasmettere attraverso la sua pittura quel senso di oppressione di una civiltà giunta al suo limite ed in crisi. Narra infatti la crisi di un'epoca, di un modo di vivere oramai tramontato e spinge più in là questa ricerca mediante la potenza della forma ottenuta attraverso il colore in cui questo smette di essere tale dialogando diegeticamente con la filosofia dell'opera stessa divenendo quindi espressione del sangue, dell'anima materiale; insomma di quell'humus o linfa vitale che scorre nelle cose e nel farlo le lascia morire, le lascia deteriorarsi sino al vuoto cosmico dell'esistenza. Il nucleo di questa sofferenza ha origine da qui. Il vuoto come riempimento della nullificazione portante: Andrea attraverso la sua pittura è un nullificatore? 

Andrea Simone Appendino (questo il suo nome completo) ha un talento naturale: come ha dichiarato altrove"...pittura, fotografia, poesia, le mie passioni. Nella fotografia intervengo sui miei scatti digitali stampandoli in bianco e nero su diversi tipi di materiali modificandoli con varie tecniche..." a volte strappa le foto, le ricompone tendendo alla distorsione dell'immagine decontestualizzando il soggetto: "...ricerco nei soggetti e in me stesso ulteriori indagini psicologiche e introspettive. Passando dal digitale in un realtà fisica interagisco con la pittura così le immagini acquisiscono unicità, una pelle, cicatrici. Figure a volte sospese nel vuoto, avvolte da un senso di precarietà e inquietudine che dilaga nella realtà odierna"

La sua storia è complessa e ci aiuta a comprendere il senso della sua pittura: lascia presto gli studi a causa di un'irrequietezza che lo porta a ricercare, a ricercarsi mediante la pittura, la musica e le arti in generale. Ha convissuto con la depressione e conosce un altro artista Maurizio Ferrari con il quale condivide il senso della creazione e della dannazione dell'arte.

Lo psichiatra Paolo Berruti crede per primo nella loro arte: eppure tra ricadute e slanci creativi riesce Andrea a diplomarsi partecipando contemporaneamente a diverse mostre sino alla pubblicazione di racconti Capelvenere (2016) e a due romanzi Il Tatto delle cose sporche e nel 2019 La nuda anarchia dell'anima.

Leggendo tra la documentazione leggo alcune sue visioni:"...secondo me l'arte pittorica dopo Francis Bacon non è più nulla e nel nulla si deve evolvere. Penso che la distorsione che ha effettuato Francis Bacon abbia aperto le porte ai corpi, alle loro anime sofferenti ha fatto entrare luce nelle caverne affiancando le scoperte dell'inconscio. La pittura è perpetua crocifissione ed è stata crocefissa dalla madre arte quando le sue vesti sono state spartite tra critici e collezionisti e sbranata dal mercato. 

Non c'è più nulla da rappresentare nella realtà tridimensionale, le false sperimentazioni di M. Cattelan o Damien Hirst sono state patetiche. L'uno ha crocefisso animali veri mettendo i tori in formalina, l'altro ha appeso un cavallo imbalsamato allungandogli le zampe e loro, si sono nascosti nella trincea dell'arte concettuale..."

Ed altrove ancora: "...cerco nell'arte una religione che torni a parlare con la voce di un'altra natura, non morta ma viva, l'arte dei fotoni, degli antifotoni. Dell'antimateria."

Ed infine gli ho chiesto di bombardare quanto più sui suoi punti fermi che costituiscono la sua visione personale. Lui così ha commentato:"...c'è un Amazon anche per l'arte contemporanea, l' individualismo: non vedo nessuna collaborazione tra artisti, cosa che è sempre stata fondamentale: non ci si taglia più un orecchio per un litigio..." e conclude:"...l'arte è un ectoplasma che gli artisti cercano di accaparrarsi per avere più visibilità. Siamo nella stasi di un passaggio, una quarta dimensione che è virtuale ma meccanizzata, non interiore..." e dialogando per messaggi infine aggiunge: ":..forse è l'insegnamento dell'arte sbagliato alla base: van Gogh andrebbe studiato partendo dalle lettere al fratello, dalla perizia con la quale cercava gli accostamenti di colori. 

Amo gli autodidatti. In tutti questi anni l'arte non è stata in grado di concepire il concetto stesso di bellezza: la bellezza è un male che distoglie la creatività. Siamo ancora ai tempi in cui Carol Rama disegnava donne che cagavano mentre il popolo e gli addetti ai lavori ridevano. E' ancora rischioso essere liberi nell'arte. Certi argomenti sono ancora tabù ed i grandi hanno pagato l'ignoranza dei pochi...". 

Nella sua creazione vivono queste parole, trasudano espressioni ribelli di una mente fertile, esplosiva, unica: Andrea Gruccia è l'artista filosofo che soffre l'isolamento creativo da un'epoca ancora troppo giovane per comprenderlo.   

I percorsi dell'anima (2016) tempera grassa e olio su tavola                                                                       

Mostra di Primavera

Maria Carmen Salis

Parlando di Maria Carmen Salis entriamo nella seconda mostra del ciclo Le Stagioni dell'anima in cui l'artista sarda rievoca la mostra di Primavera (12 marzo 2021 - 12 maggio 2021). L'artista nata ad Angera (VA) nel 1967 lavora e vive in Sardegna ed esattamente a Chia: parlando con la pittrice fu la madre a trasmetterle questa passione donandole una tavolozza all'età di tredici anni e da allora non ha mai abbandonato l'arte. Dopo aver frequesntato il Liceo Artistico ha fatto un corso triennale di restauro è entrata a contatto con altri maestri e tecniche antiche come la tempera all'uovo che utilizzerà sempre: laureatasi in Pittura presso l'Accademia delle Belle Arti di Carrara approfondirà il suo percorso con maestri del calibro di Umberto Buscioni e Omar Galliani per divenire conseguentemente lei stessa Docente delle Discipline Pittoriche. Questo l'iter che ha spinto la sua creatività ad esporre in collettive e personali.

Ora la ospitiamo presso Rinascenza Contemporanea II di Torino con una mostra stagionale che avrà come modello la Primavera vivaldiana. Dopo l'inverno evocato da Anna Actis Caporale ora è tempo di risorgere con la pittura che verte al calore di una metafisica onirica oramai protesa ad obliare l'Onirismo precedente del Gruppo degli Otto spingendo il senso emotivo sempre di più in quello mnemonico in cui il ricordo, la sensazione e l'atmosfera di quel dato evento oramai scardinano la mente dalla realtà per restituirla ad una sfera idealizzante.

Anche lei Trasmutatrice oramai proietta l'onirismo precedente nell'istintivismo puro grazie al quale nonostante il tormento di un'epoca come la nostra strutturata sulla malattia e sul dolore si spinge oltre consentendo all'osservatore di rivivere momenti lontani che fanno parte dell'esperienza personale. Siamo nel pieno dello Smaterialismo e nella fase media della Rinascenza in cui il Covid trasforma le nostre abitudini.