Sydney (Australia)

Sydney Opera House

Max Ernst

Surrealismo e pittura

Partiamo da un dato importante: il titolo del dipinto realizzato nel 1942 fu anche il titolo di un testo di Breton.

Nel dipinto assistiamo ad una figura bizzarra a metà strada tra uccello ed elefante e con tutta una serie di forme antropomorfe e serpentine che con la propria proboscide-mano tiene in mano un pennello con il quale sta realizzando un quadro. Ed è qui che entriamo nel concetto puro del surrealismo che vede la trasposizione dimensionale del sogno nel sogno: in questo caso la trasposizione del quadro nel quadro. Della realtà infatti restano gli oggetti di supporto: dal cielo retrostante alla linea metafisica dell'orizzonte sino al cavalletto che sorregge un a tela ed al pennello stesso.

Questi elementi fanno da cornice ad un piedistallo in primo piano su cui un soggetto multiforme sta in posa: in contrasto a questa base si erge la creatura sopradescritta o meglio il mostro organiforme che dipinge il quadro nel quadro appunto. Ed il trapasso è notevole: quando l'osservatore scorge il soggetto del dipinto comprende il viaggio filosofico oltre le barriere del tempo attraverso cui l'opera astratta smaterializza la dimensione raggiunta.

Credo che il genio dell'artista tedesco sia con questo dipinto andato più in là proprio per la sintesi narrativa oltre che espressiva: in altre parole ci sta svelando la natura intrinseca del Surrealismo che non tenendo conto della realtà stravolge l'immagine del soggetto riproducendolo in maniera astratta ovvero attraverso la lettura formale dei sogni.

In fondo aveva studiato filosofia ed aveva frequentato corsi di psicologia all'Università sino poi a scoprire il genio di De Chirico ed il suo approdo a Parigi che lo stimolò a superare i suoi concetti.

Eppure innanzi al mostro c'è la fissità della figura amorfa in posa che con tinte diverse dalle sue sta ferma su un parallelepipedo che quasi si amalgama con la figura retrostante divenuta parte della composizione organico-volumetrica ed in opposizione all'astrazione di cui dicevamo sopra.

La pittura quale sede razionale dei sogni veniva da Ernst defluita mediante stili comparativi come il raschiamento (grattage) oppure come il frottage (sfregamento) sperimentando tecniche, immagini, atmosfere che avevano lo scopo primario di riscoprire la sede automatica dell'anima.

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Grande pellicola del 2013 che celebra lo sport: per gli amanti di Formula 1 e non solo James Hunt interpretato da Chris Hemsoworth e Niki Lauda interpretato da Daniel Bruhl mette al confronto due tipologie di piloti eternamente rivali, nemici ed antagonisti.

Eroe ed antieroe in una successione di eventi che descrivono le motivazioni e la volontà di odiare/amare l'avversario.

Da una parte il pilota britannico dedito alla bella vita, alle belle donne, alla fama e dalla capacità di farsi accettare da tutti; l'unica pecca è che non riesca a vincere o quantomeno a superare in classifica il suo eterno rivale; oltre alle apparenze infatti la sua vita è un disastro: si sposa, divorzia, beve e sembra condannato a restare solo.

Dall'altra parte Lauda, la macchina da guerra austriaca che guida la Ferrari, che conduce una vita al servizio della sua causa, di impegni e ripetizioni.

Sposa una donna che crede in lui e questo lo distoglie dall'ardore precedente: un incidente infatti lo fermerà costringendolo ad una lenta riabilitazione e quando tornerà a gareggiare riprenderà la sfida contro il suo eterno avversario.

Un'improvvisa paura lo distoglierà dalla finale facendolo fermare prima e questo porterà il britannico alla vittoria.

Dopo qualche tempo i due contendenti si ritroveranno in un hangar di atterraggio per aeroplani: Hunt deve correre a bordo del jet privato per uno dei suoi soliti festini mentre Lauda si allena pilotando un aeroplano; discutono di quanta strada abbiano fatto dalla Formula 3 per diventare entrambi campioni del mondo.

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La Vetrina

Fabio d'Agostino:

Il fantasma di van Gogh mi insegue nei campi

La VETRINA. Ci racconta dell'artista lombardo Fabio d'Agostino: genio d'una pittura spontanea e di ri-concettualizzazione simbolica. Con lui infatti si apre la OLOGRAM.generation ovvero la Seconda Maniera del Mutazionismo in cui inversamente al senso di lacerazione della maniera precedente tenta la via del ricongiungimento con la storia, con le origini e le tradizioni di un universo perduto. In questo caso la rievocazione di van Gogh per mezzo del suo tratto lo spinge a risanare la frustrazione di quel dolore represso e lo vediamo intento a ricucire il taglio fontaniano e ripostulando la dimensione atavica di una poetica sopita. La tecnica mista veicola la sperimentazione ad incidere sul sentimento. Connotazioni che lo immettono direttamente nella Seconda Maniera degli artisti Mutazionisti che nel racconto meta-artistico che avverrà durante il prossimo passaggio dell'asteroide 99942 Apophis faranno parte dello spazio virtuale RC3 meglio progettato come Seraféo: siamo lieti di esporre su RC3 i suoi lavori: https://rc3.jimdosite.com.

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Il Mattatore Vittorio Gassman

Denominato il Mattatore Gassman ha rappresentato nella storia del teatro italiano ed internazionale il picco di una maestranza che difficilmente tornerà ad essere.

Figlio di un ingegnere tedesco impegnato in Calabria per il quartiere Ferrobeton e di un'ebrea pisana si trasferì a Roma dove studiò all'Accademia Nazionale d'Arte drammatica sino al debutto a Milano ed ai primi successi con Luchino Visconti sempre in ambito teatrale per poi recitare nelle produzioni cinematografiche a partire dal 1945 con Giovanni Paolucci, Mario Soldati ed approdare poi a Mario Monicelli.

Sappiamo che nel 1952 con Luigi Squarzina fondò il Teatro d'Arte Italiano riproponendo opere straniere in una formula nuova e da qui decollò tra cinema, premi e vita da grande mattatore dello spettacolo.

Pensiamo alla fondazione del Teatro Popolare Itinerante in cui voleva ripristinare in chiave moderna i principi dei una moderna Commedia dell'Arte e propose la Bottega Teatrale, una scuola che dal 1979 al 1991 diresse personalmente per la formazione e lo studio dei nuovi attori.

Questo viaggio nell'arte lo fece diventare personalmente regista, scrittore e doppiatore grazie all'impostazione della sua voce sino nel 1987 per diventare membro politico dell'assemblea nazionale del PSI su stretto invito di Bettino Craxi.

Fu criticato per la sua vita privata per quanto riguardava la libertà dei suoi rapporti con le donne per poi accusare negli ultimi tempi una forma di disturbo bipolare che lo portò probabilmente a peggiorare e nel 2000 a morire a settantasette anni per un improvviso attacco cardiaco avvenuto nel sonno.

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Riflessi pandemico-globali sul mondo dell'arte e della cultura

EMARGINATI

Post -Covid, dalle quarantene alla solitudine

L'abbiamo vissuta tutti la crisi determinata dal Covid: potevamo solo uscire per andare a fare la spesa o per fare il giro dell'isolato a qualche centinaio di metri dalla propria abitazione.

Le immagini dei camion militari avevano fatto il giro del mondo e gli ospedali non sapevano come fare per contenere il disagio di migliaia di persone che affollavano i pronto soccorso o che finivano in terapia intensiva. Tutto ciò ha scatenato il panico e il desiderio oltre che il dovere di stare isolati, in quarantena, al di fuori della vita sociale. Pensiamo soprattutto ai giovani in DAD ed al tempo prolungato innanzi ai televisori, ai tablet così come davanti ai Pc. Secondo gli studi degli scienziati i lunghi periodi di segregazione forzata hanno portato le persone a disturbi di stress, di insonnia, di depressione e sintomi di simile portata.

Soprattutto in questa fase di ripresa sociale transitoria tra l'estate e l'inverno in cui la carica virale sembra rallentata per poi tornare a manifestarsi in inverno assistiamo al cambiamento di quelle che potevano risultare le nostre vecchie abitudini: pensiamo al modo di rapportarci, di entrare ed uscire dai negozi, di toccare le persone, di andare a ballare o di interfacciarci agli altri.

Sembra che una fetta consistente di quel mondo sia perduta; sembra che la vecchia realtà sia tramontata per sempre. Se un giorno parleremo di Post-Covid non torneremo più quelli di prima poiché alcuni hanno puntato il dito contro gli altri, perché una fetta di popolazione ha rinunciato alla propria attività, al proprio lavoro, al proprio stile di vita adattandosi a nuove forme di esistenza mentre un'altra fetta dovrebbe tornare indietro e convivere con quelli che prima aveva additato e che in questo caso tornerebbero di diritto ad essere "uguali" agli altri. In una realtà alterata come questa il dopo sarà complesso forse ancora più dell'adesso perché la società resterà comunque modificata al suo interno. La malattia che ha spaventato le persone per oltre due anni e mezzo è stata assorbita ed ha esasperato la psiche di milioni di persone.

L'arte, la comunicazione e tutto ciò che ha a che vedere con qualsiasi forma di aggregazione o spettacolo è stata completamente danneggiata. Ho già avuto ampiamente modo di evidenziare in altri articoli la lista di attività artistiche fallite, interi reparti delle città d'arte italiane chiusi e venduti alle multinazionali esterofile pronte ad investire nel Bel Paese così come ho narrato ampiamente di come la tecnologia abbia preso il posto di spazi espositivi, opere, artisti sino ai sistemi di interscambio e di acquisto mediato dalle case d'asta (uniche ad aver guadagnato). Che fine hanno fatto gli artisti in questo stato di cose? Hanno dipinto coloro che avevano a disposizione i colori; hanno scolpito coloro che avevano a disposizione un pezzo di marmo, hanno scritto coloro che avevano idee e suonato i musicisti: sicuramente gli artisti hanno prodotto come sempre avendo a disposizione più tempo ma adesso che il mondo del mercato dell'arte sta rapidamente mutando (come è mutato il virus) ora dovranno fare i conti con il Sistema Arte.

Nulla è rimasto come prima ed i vecchi metodi di adattamento dell'artista non ha più radici. E' come se improvvisamente il vecchio mondo intellettuale fosse stato disintegrato e l'artista non avesse più voce in capitolo: o dentro il sistema o fuori nella terra di nessuno. Non parliamo più di quarantena da cui siamo partiti durante i lockdown politici (necessari per la rieducazione popolare) ma dell'isolamento che da quel momento in poi sono diventati abissali.

L'isolamento fa parte della ricerca, gli artisti lo sanno: mi viene subito in mente Giacomo Leopardi il cantore della solitudine così come Vittorio Alfieri giusto per restare in tema che si faceva legare per obbligarsi allo studio citando un mantra: "Volli, sempre volli, fortissimamente volli". Dalla letteratura alla pittura è immediata l'immagine di Vincent van Gogh in cui il delirio della sofferenza interiore lo portò alla morte e così a Pablo Picasso che sosteneva l'importanza della solitudine per poter creare. Edward Hopper è definito il maestro della solitudine. Le persone comuni hanno imparato ad essere sole, a stare distanziate dalle altre persone; si scansano quando ti vedono, si mascherano, obbediscono alle regole divenendo controllori degli altri e la regola, la norma, la replicazione robotica del meccanismo sociale è Statodigitalizzato, autocontrollato, autogestito. Per le masse il distanziamento morale ed emotivo dagli altri è stato sconvolgente per gli artisti invece è stata normalità condivisa: quello che voglio dire è che gli artisti hanno continuato a vivere normalmente come sempre estraniati dalla realtà o semplicemente immersi totalmente in essa ma lateralmente. Costoro hanno sempre vissuto soli nella moltitudine a volte soffrendo perché diversi, altre in depressione, altre ancora calati nella disperazione pura. L'arte non è solo la tecnica sul supporto, colore su colore, linea su linea: questa è tecnica. L'arte è sentimento, distanza dalle cose perché attraverso le cose; è vocazione e dannazione, ripetizione ed ossessione; l'arte è un dovere imprescindibile fondato sulla libera scelta in cui non c'è posto per gli altri ma solo per le proprie idee. L'artista vive sempre nella quarantena della creazione, l'artista è sempre isolato, l'artista vive come le masse hanno compreso, spero in questo stato di emergenza sanitaria. Gli artisti sono esseri speciali e per questo degli emarginati!

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Preveggenza

Largo! largo!(1966)

Soylent Green

Nel 1966 Harry Harrison scrisse un romanzo distopico di fantascienza intitolato Largo! Largo! E questo spinse la produzione statunitense a realizzare nel 1973 l'omonimo film intitolato Soylent Green.

Oltre alla partecipazione straordinaria di Charlton Heston nel ruolo del detective Thorn così come di Edward G. Robinson (Sol) che morì poco dopo le riprese sappiamo che il film fu accolto tiepidamente dal pubblico del tempo considerata anche la mediocre impostazione delle scene e dello scarso investimento da parte della produzione.

Doveva essere un B movie e lo resta al di là dello spunto ideale della storia.

Sembrano tematiche profondamente attuali: le stagioni si sono ridotte e le temperature si sono alzate vertiginosamente sino a costringere le persone a vivere le une sulle altre.

Le città sono in fermento e le materie prime scarseggiano: acqua, aria condizionata e spazio sono benefici validi solo per la ristretta classe ricca mentre la popolazione vive ammassata nelle strade, nei palazzi riducendo lo spazio vitale al minimo. L'unica risorsa per tutti è una forma di alimento sintetico chiamato Soylent Green preparato artificialmente dalle industrie di Stato per nutrire la popolazione.

Questo è determinato dall'inaridirsi dei campi e l'impossibilità di trovare cibo naturale. La storia si concentra sul Detective Thorm che vive col vecchio professor Sol in un minuscolo abitacolo periferico: chiamato ad indagare sulla morte di un facoltoso politico dell'élite William Simonson inizia a compiere una serie di indagini particolari. 

Ad un certo punto infatti comprende il rapporto del politico assassinato con la casa di produzione del farmaco: l'élite lo perseguita tenendolo sotto controllo proprio per il fatto di evitare uno scandalo.

Intanto Sol, della vecchia generazione comprende la gravità della situazione e decide di ricoverarsi al Tempio: qui si mette in fila e viene svestito per essere immesso nella sala in cui viene addormentato definitivamente.

Mentre ascolta musica classica e vede le immagini del vecchio mondo muore sotto gli occhi di Thorn che non riesce a salvarlo.

Da questo momento si dedicherà ulteriormente al caso e andrà a fondo seguendo il percorso che fanno i cadaveri dopo aver lasciato il Tempio: raggiunge così una fabbrica nella quale scopre che è proprio dai cadaveri che viene preparata la Soylent Green.

In altre parole nutrono la popolazione con altrettanta popolazione sterminata.

Da questo momento Thorn riesce ad uccidere i suoi sicari ed a rivelare al suo superiore il mistero che avvolge lo Stato. Uscirà dalla chiesa gridando alla massa dormiente la verità sullo stato delle cose.

La gente sembra non ascoltarlo: oramai sono addormentati e vittimizzati da un sistema di controllo che è risuscito a spersonalizzarli.

Sappiamo che dopo la tiepida accoglienza il film nel 1975 ottenne il Saturn Award come miglior film di fantascienza e che colpì il pubblico del suo tempo.

Infondo stupisce anche noi di questo tempo: anzi proprio nel tempo in cui il film è stato realizzato simili scenari erano difficilmente ravvisabili al punto che sembravano far parte di dimensioni apocalittiche al limite del fantascientifico: ed eccoci nel 2022 alu culmine della realizzazione profetica. Assistiamo perplessi alla veridicità di molti fattori: dai problemi relativi al riscaldamento globale, alla sovrappopolazione così come all'esigenza di trovare fonti di energia rinnovabile data la scarsità delle risorse e dell'energia.

Paradigmi che hanno condotto le nazioni a guardarsi con diffidenza ed a creare schieramenti da Seconda Guerra Fredda se consideriamo gli Usa e la Nato in combutta contro la Russia e la Cina per il predominio dell'Ucraina e delle sue risorse.

L'Europa desidera possedere un paese di matrice russa non per apportarne la democrazia ma per rifornirsi di eventuali materie prime da cui generare energia rinnovabile. Lo stesso vale per questa nazione desiderosa di arricchirsi separandosi dalla confederazione russa. 

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Ma la potenza del film è nella questione della popolazione: quando il film fu realizzato sulla Terra esistevano circa quattro miliardi di individui; nell'arco di questi quarant'anni la popolazione è raddoppiata ed abbiamo superato gli otto miliardi di abitanti.

Questo determinerà scenari apocalittici in un futuro non troppo lontano: mancheranno le risorse, le forme di sussistenza e questo obbligherà i popoli più poveri ad invadere con veri e propri esodi di massa le nazioni più ricche; scarseggeranno cibo, acqua e cose alle quali noi ora eravamo abituati ad avere per diritto di nascita.

Non assistiamo già a migliaia e migliaia di profughi che dall'Africa e dal vicino Oriente continuano a giungere in Europa? Non siamo forse nelle mani di quei potenti che ci riforniscono di energia come elettricità, gas e combustibile e ricattano le nostre esistenze imponendoci spese sempre più esose?

E la pandemia non ha forse accelerato il processo di addomesticamento per le masse oramai abituate ad essere rintracciate, codificate e riconosciute attraverso l'ausilio di Identità Digitali veicolando qualsivoglia scelta individuale? Questa non è più fantascienza! Il film - Rivelazione ha aperto uno Stargate temporale verso l'attualità.

Di fronte alla potenza evocativa di questo film evento non c'è altro da aggiungere: molte volte la fantascienza ha la forza di prevenire i disastri o quantomeno evocarli nella speranza di scongiurali. Niente di fatto: siamo immersi in questo terzo anno pandemico e sembra che l'élite abbia dichiarato la propria onnipotenza sulle masse cieche e sorde (proprio come nel film). 

Magnus Zeller

Si intitola Lo Stato TOTALE o meglio Lo Stato di Hitler realizzata nel 1938 un'opera assolutamente antifascista che l'artista dipinse segretamente durante l'avvento del Reich millenario. Sappiamo che l'artista subito dopo la seconda guerra mondiale si trasferì nella Berlino Est in cui poi partecipò a differenti mostre che definirono negativamente il suo lavoro con l'epiteto di FORMALISTICO.

Ancor peggio durante il regime nazista in cui non fu considerato pittore idoneo ad esaltare il Fuhrer e non gli fu concessa la possibilità di dipingere o tantomeno di avere il materiale per dipingere.

In questo quadro in particolare creava un Moloch gigantesco, una sorta di Totem satanico trainato da tutti i popoli del mondo schiavizzati dalla prepotenza del regime nazifascista.

Il senso di oppressione è vasto e l'inferno sembra destinato a perdurare eternamente in Terra: eppure quella tempesta è passata ed altre sono succedute ad essa. Mai come ora l'umanità è scossa dal terrore per questo maledetto virus che ha sconvolto i criteri di vita sociale, politica, economica dei popoli del mondo schiavizzati da un mostro senza braccia e senza gambe; non ha volto e non pensa ma è in grado di appiattire qualsiasi pensiero: il suo nome è PAURA.

Shepard Fairey

L'opera riprende l'immagine iconica dell'allora candidato alle presidenziali americane e futuro presidente degli Stati Uniti ovvero Back Obama divenendo a partire dal 2008 simbolo indiscusso del partito democratico statunitense.

Con quest'opera l'artista inaugurò la mostra 3 decades of dissent nelle sale della Galleria d'Arte Moderna di Roma in cui lo street artist raggiunse l'apice della sua carriera. Dopo trent'anni di arte infatti i suoi volantini hanno fatto il giro del mondo dagli spazi urbani da cui nasce il suo senso estetico: infatti il giovane artista distribuiva volantini con ritagli di giornale trasformandone il senso sino a veicolandolo come voleva.

In questo stato di cose invertiva i significati contrastando anche i principi della censura e della dittatura del bon ton: pensiamo a quando ironicamente invitava all'obbedienza in modo da far percepire il senso della disobbedienza sempre in un clima di ambiguità espressiva che dà ai suoi lavori a prescindere dal perfezionismo formale immediatamente distinguibile.

Uno dei suoi punti cardine è il Costruttivismo Russo ispirandosi ai manifesti politico-ideologici in cui la semplificazione esecutiva lo portava non tanto al senso tecnico quanto a quello comunicativo: un'altra sua ossessione è l'opposizione ad una forma di totalitarismo al punto che ispirandosi al romanzo di George Orwell 1984 sino a partire dal 1998 torna con immagini di tecnologie che osservano il genere umano e che vivono sotto il controllo del Grande Fratello.

La scelta di realizzare quadricromie che richiamassero alla bandiera americana mentre l'elemento formale dello sguardo verso l'alto richiamava il futuro. Da questo momento proprio Obama scrisse al giovane artista in arte Obey ringraziandolo per avergli dedicato un manifesto che fu secondo alcuni analisti il successo per farlo diventare il primo presidente nero degli Stati Uniti.

Hope (2008)